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[Jeu de temps / Times Play 2021]

Prizewinners and Thematic Award Recipients

Results / Résultats | Submissions / Soumissions | Events / Événements | Awards / Prix | Jury

For each edition of JTTP, a broad and diverse international jury takes on the task of judging all submissions to the project. The creators of the top five selected works 1[1. There was a tie for third place in 2021 and as a result, exceptionally, there are six prizewinning works for the 22nd edition.] receive prize packages. The first-, second- and third-place prizewinners receive cash prizes, as do the thematic award recipients. Our Project Partners, Donors and Media Partners are listed on the Prizes and Awards page.

Over the course of the 2021–22 year, the selected works from JTTP 2021 (listed below) are presented in several Events, Concerts and Radio Broadcasts coordinated in collaboration with JTTP Media Partners. On the Participants and Submissions page you can listen to all works submitted to this year’s edition of JTTP and read the programme notes and artist biographies.

Biographies and Programme Notes

Marie Anne Bérard • Diego Bermudez Chamberland • Colin Frank • Pablo Geeraert and Joseph Sims • Jean-Philippe Jullin • Antoine Lussier • Véro Marengère • Charles St-André

Marie Anne Bérard

Recipient of the inaugural Martin Gotfrit and Martin Bartlett Award for live electroacoustic practices.

Marie Anne Bérard in 2019. Image © Mathieu Lalonde, 2019. [Click image to enlarge]

Marie Anne Bérard est une compositrice, pianiste et étudiante au Baccalauréat en musiques numériques à l’Université de Montréal. Elle s’intéresse principalement à la musique électroacoustique, mixte et les arts performatifs. Sa pratique se concentre sur le traitement sonore en direct, le design sonore et les relations à créer entre musique instrumentale et électronique. Elle souhaite représenter les infinités sonores de son univers intérieur et donner à l’auditeur·trice les sentiments que l’on a quand on est en train d’accomplir des choses que l’on aime.

Marie Anne Bérard (she/her) is a composer, performer and pianist, currently studying electronic music at the Université de Montréal. Her interests include electroacoustic music, mixed music and performative arts. Bérard’s practice is based on real-time audio processing, sound design and the creation of a relationship between instrumental and electronic music. She wishes to show the countless sounds of her inner world and to give the audience the same feeling one has while doing things we love.

Éphémérides (2021 / 10:45)

Éphéméride (n.f.) : Peut être un ouvrage qui énumère les événements arrivés le même jour de l’année à différentes époques. Elle relate aussi des valeurs astronomiques variables comme le lever et le coucher du soleil, la phase de la lune et les marées. Une éphéméride désigne tout ce qui se passe au quotidien et les événements marquants de cette journée. Fascinée par ce mot, j’ai réalisé des improvisations électroniques quotidiennes et des prises de son de ce qui m’entoure pour créer des éphémérides sonores à chaque jour. Chacune d’elles est déclenchée et manipulée en temps réel durant cette performance. À l’aide de la synthèse concaténative, elles interagissent les unes avec les autres, tout en faisant partie de l’éphéméride qui se crée devant nous. Éphémérides est un journal sonore à feuilleter avec les oreilles, où le passé interagit avec le présent.

Ephemerides are a source of various data wherein events that have happened on the same day of the year but at different periods are listed. It also reports astronomical events such as sunrise and sunset, the phase of the moon and the tides. An ephemeris indicates everything from the day-to-day to milestone events of a day. Fascinated by this word and its meaning, I composed electronic improvisations and sound recordings of my daily life to create sound ephemerides every single day. Each of them is triggered and manipulated live in this performance. With concatenative synthesis, they interact with each other, while being part of the ephemeris created in front of us. Ephemerides is a sound journal to leaf through with our ears, where the past interacts with the present.

Diego Bermudez Chamberland

JTTP 2021 Third Prize winner [ex æquo].

Diego Bermudez Chamberland in 2021.

Diego Bermudez Chamberland est un artiste sonore québécois qui navigue dans plusieurs secteurs liés à la création tels que la composition, le sound design, l’installation et la performance en direct. Sa pratique s’inspire de ses expériences vécues tant sur le plan humain que musical. La collaboration est un aspect essentiel de sa pratique artistique. Il la voit comme un moyen de transcender ses réflexes et par le fait même d’amener ses créations vers de nouveaux horizons. Il s’intéresse également au pouvoir évocateur du son et à sa capacité à nous transporter dans un ailleurs. Il consacre la plus grande partie de son temps à l’exploration de sa discipline à travers ses multiples projets. Diego termine actuellement une maîtrise en composition électroacoustique au Conservatoire de musique de Montréal.

Diego Bermudez Chamberland is a Québec-based sound artist who works in several areas related to creation such as composition, sound design, installation and live performance. His practice is inspired by his human and musical experiences. Collaboration is an essential aspect of his artistic practice; he sees it as a way to transcend his reflexes and thus bring his creations to new horizons. He is also interested in the evocative power of sound and its ability to transport us into another state of mind. He devotes most of his time to exploring his discipline through multiple projects. Diego is currently completing a master’s degree in electroacoustic composition at the Conservatoire de musique de Montréal.

Destin//Trouble (2021 / 17:26)

Destin//Trouble est la deuxième composition d’une œuvre acousmatique en trois mouvements (Cartografía interior) puisant principalement son inspiration dans la mythologie scandinave telle que racontée dans le recueil de Snorri Sturluson : l’Edda, daté de l’an 1220. Il est important de souligner que l’œuvre n’essaie pas de matérialiser d’une façon littérale cet univers, mais propose davantage une adaptation sonore libre et personnelle. Il en est né une musique qui explore l’énergie, la temporalité continue et fragmentée, et les espaces multiples à travers des timbres et articulations variés plutôt qu’une recherche axée sur le mimétisme ou la recréation littérale de cet univers. Les arrimages possibles entre quelques grands thèmes de la mythologie scandinave (les forces naturelles, les territoires infinis et le dynamisme) et la composition ont été explorés durant le processus de création. Ces thèmes se sont transposés dans la morphologie des sons, l’approche formelle du montage et le travail d’espace.

Destin//Trouble is the second composition of an acousmatic work in three movements (Cartografía interior) that draws its inspiration mainly from Scandinavian mythology as told in Snorri Sturluson’s collection: the Edda, dated 1220. It is important to underline that the work does not try to materialize in a literal way this mythological universe, but rather proposes a free and personal sound adaptation. The result is a music that explores energy, continuous and fragmented temporality, and multiple spaces through various timbres and articulations, rather than it being a research centered on the mimicry or the literal recreation of this universe. The possible connections between some of the grand themes of Scandinavian mythology (natural forces, infinite territories and dynamism) and composition were explored during the creative process. These themes were subsequently transposed into the morphology of the sounds, the formal approach of the editing and the work of space.

Colin Frank

Recipient of the inaugural Hildegard Westerkamp Award for soundscape and sound installation.

Colin Frank in 2021. [Click image to enlarge]

Ottavien Colin Frank expérimente avec le son, l’électronique, la sculpture, le théâtre et les percussions, en enquêtant l’excès, les extrêmes corporels, les instruments instables et les bruits riches et bruts. Il a travaillé avec les Noisebringers, TAK Ensemble, AndPlay, Red Note, Gods Entertainment, Moscow Contemporary Music Ensemble, et est membre fondateur de DriftEnsemble et Brutalust. Entre autres lieux, il a présenté ses œuvres à Huddersfield Contemporary Music Festival, CTM Festival (Berlin), Internationale Ferienkurse für Neue Musik (Darmstadt), Electric Springs, SoundThought, Beast Feast et PAS Quebec Days. Ses installations artistiques invitent fréquemment l’interactivité du public, et ont été exposées à Salem Art Works et Dai Hall. Ses recherches doctorales à l’Université de Huddersfield examinent l’influence des objets et des instruments non conventionnels sur son processus créatif. Il a étudié à l’Université de McGill et à The Institute of Sonology. Il a été prof d’improvisation à Waterloo Region Contemporary Music Festival, ainsi qu’à l’Université de Huddersfield.

Originally from Ottawa, Colin Frank experiments with sound, electronics, sculpture, theatre and percussion, investigating excess, bodily extremes, unpredictable instruments and rich raw noises. He has worked with the Noisebringers, TAK Ensemble, AndPlay, Red Note, Gods Entertainment, Moscow Contemporary Music Ensemble, and is a founding member of the DriftEnsemble and Brutalust. He has presented in the Huddersfield Contemporary Music Festival, Berlin’s CTM festival, the Darmstadt Internationale Ferienkurse für Neue Musik, Electric Springs, SoundThought, Beast Feast and PAS Quebec Days, amongst others. Colin’s installations often involve audience interactivity and have been exhibited at Salem Art Works and Dai Hall. His PhD research at the University of Huddersfield considers how unconventional instruments and objects act and influence his creative process. He studied performance and composition at McGill University and sound at the Institute of Sonology. He has taught improvisation at the Waterloo Region Contemporary Music Festival and at Huddersfield University.

Forays into Expansive Terrain (2020 / 20:06)

L’album Sounding the Weight of an Object, produit par Impulsive Habitat, a été enregistré à l’extérieur à travers l’est du Canada (Ottawa, Montréal et Wingham) et à Huddersfield. À chaque endroit, j’ai sonné sur des objets trouvés ou apportés pour intervenir avec le paysage sonore. Les sons ambiants se mélangent avec ceux que j’ai créés, en posant la question « qui est le joueur? » — est-ce que moi je fais sonner l’environnement, ou l’inverse? Chaque interaction performative est enchevêtrée avec la matérialité du lieu, dans un mélange de moi, de microphones, de structures, de végétation, d’animaux et de conditions météorologiques. Dans Forays into Expansive Terrains , j’ai joué avec une machine derrière un bâtiment de technologie à l’université; avec une passerelle salée au centre-ville de Montréal; avec des groupes électrogènes, des grillons et des rafales de vent après la tornade de 2018 à Ottawa; pendant un voyage à vélo dans une forêt à côté d’un chantier de construction; et avec un escalier métallique derrière un canal. L’enregistrement présente mon expérience de ces lieux — spatialement, matériellement — comme endroits vibrants de vie.

The album Sounding the Weight of an Object, an Impulsive Habitat release, was recorded in outdoor locations across Eastern Canada (Ottawa, Montréal and Wingham) and Huddersfield. At each location, I performed on found or brought objects to intervene with the location’s soundscape. Environmental sounds blend with those that I created, questioning who is playing whom — do I play the environment, or does it play me? Each performance is entangled with the site’s materiality, mixing myself with microphones, structures, vegetation, animals and weather conditions. In Forays into Expansive Terrains , I performed alongside a machine behind a university technology building; a salted walkway in downtown Montréal; power generators, crickets and gusting winds after the 2018 Ottawa tornado; a bicycle journey through a forest nearby a construction site; and a metal staircase beside a canal. The recording presents how I experienced these places — spatially, materially and as vibrantly alive locations.

Pablo Geeraert and Joseph Sims

JTTP 2021 First Prize winners.

Pablo Geeraert in Montréal, 2021. Image © Alex Forest, 2021. [Click image to enlarge]

Pablo Geeraert est un compositeur belge né à Bruxelles et actuellement basé à Montréal. La composition lui sert comme outil pour découvrir et ressentir les dimensions complexes et engageantes que la musique peut offrir. Influencé et fasciné par une vaste variété de discours sonores, sa musique essaie de les mixer dans des narratives kinétiques et évolutives — en se concentrant sur la sculpture d’un contraste entre les matériaux sonores, pour provoquer des images et/ou des réactions. Les aspects multidisciplinaires propres aux arts tels que la dance ou les médias visuels sont aussi une source d’inspiration et de motivation, qui le poussent à approfondir sa compréhension de la musique. Il a récemment reçu des baccalauréats en Music Production (BIMM Berlin) et en Electroacoustic Studies (Université Concordia), et il est sur le point de commencer une maîtrise en Composition électroacoustique au Conservatoire de Montréal afin de continuer à découvrir et définir son identité artistique.

Pablo Geeraert is a Belgian composer born in Brussels and currently based in Montréal. He explores composition as a means to discover and experience the complex yet exciting dimensions that music can offer. Influenced and fascinated by a wide variety of sonic discourses, his music tries to blend them into kinetic and evolving narratives, focusing on sculpting a contrast between the sound materials to evoke images and/or reactions. Interested in multidisciplinary practices, the aspects found in other arts such as dance and the visual medias also fuel his inspiration and motivation to broaden his understanding of music. Having recently graduated with BFAs in Music Production (BIMM Berlin) and in Electroacoustic Studies (Concordia University), he is about to enter a master’s degree in Electroacoustic Composition at the Conservatoire de Montréal to further discover and define his artistic identity.

Joseph Sims in 2021. Image © Katherine Finn, 2021. [Click image to enlarge]

Joseph Sims est un compositeur et musicien né à London (Ontario) qui est actuellement basé à Montréal. Son travail est une amalgamation de styles sonores, explorant souvent les relations entre des sources sonores concrètes et électroniques. Venant de la musique folk, son approche à la composition reste fortement encrée dans l’intuition et la narrative — ce qui lui permet de continuellement explorer de nouvelles palettes sonores comme moyen d’expression. La composition pour plusieurs canaux est son objectif primaire, mais il continue à exprimer son amour pour les médias visuels grâce à des collaborations fréquentes avec des animateurs et des réalisateurs visuels. Il est actuellement en train de finaliser son baccalauréat en Electroacoustic Studies à l’Université Concordia, et a reçu le Marguerita Award in Electroacoustic Studies en 2020.

Joseph Sims is a composer and musician born in London (Ontario) and is currently based in Montréal. His work acts as an amalgamation of sonic styles, frequently exploring the relationships between concrete and electronic sources. With roots in folk music, his compositional approach remains grounded in intuition and narrative — and continually explores new sonic pallets as a means of expression. Multi-channel, fixed-medium composition is his primary focus, but a love for visual media is expressed through frequent collaboration with animators and film makers. He is currently finishing his bachelor’s in Electroacoustic Studies at Concordia University, and received the Marguerita Award in Electroacoustic Studies in 2020.

Esquisse d’une Sandbox (2021 / 11:50)

Esquisse d’une Sandbox est une pièce traduisible sur plusieurs systèmes sonores qui cherche à créer une certaine homogénéité entre des matériaux sonores contrastants et entre deux voix artistiques. La pièce fut composée en studio sur une période de trois mois. Au lieu de se reposer entièrement sur une structure conceptuelle, la composition est le résultat direct d’une réaction continue et kinétique à la créativité de chacun. Les deux compositeurs se sont donnés au défi d’une collaboration acousmatique afin de développer leurs individualités artistiques.

Esquisse d’une Sandbox is a scalable multi-channel piece that focuses on finding homogeneity in both the articulation of contrasting sonic materials and two artistic voices. The piece was created over a three-month period through weekly in-studio sessions. Rather than relying on a conceptual framework, the composition is a direct result of a continuous kinetic reaction to each other’s creativity. The two composers embraced the challenge of acousmatic collaboration as means to push their individual artistry.

Jean-Philippe Jullin

JTTP 2021 Fifth Prize winner.

Jean-Philippe Jullin in 2020. Image © Solène Essomba Tana, 2020.

Né à Marseille (France), Jean-Philippe Jullin est étudiant en musique numérique à l’Université de Montréal. Titulaire d’un DEC en technique audiovisuelle, c’est à travers son travail dans le domaine de la vidéo que son langage s’est façonné, mêlant des éléments de musique, d’art vidéo et de programmation. Passionné par l’expérimentation sonore, il cherche une autre façon de penser la musique. Ses créations aspirent à établir un dialogue entre l’homme et la machine, lui permettant d’aborder une multiplicité de techniques et de sens. Récipiendaire de la bourse d’excellence de la Faculté de musique, il a sorti en 2020 un EP acousmatique intitulé nioses, diffusé sur Radio Québec International. Dans le but de concevoir des expériences de contemplation active, divers éléments sont assemblés afin de questionner notre perception de l’espace et du temps.

Born in Marseille (France), Jean-Philippe Jullin is a student in digital music at the Université de Montréal. Holder of a DEC in audiovisual technique, it is through his work in the field of video that his language has been shaped, mixing elements of music, video art and programming. Passionate about sound experimentation, he seeks a different way of thinking about music. His creations aspire to establish a dialogue between man and machine, allowing him to approach a multiplicity of techniques and senses. Recipient of the Faculty of Music’s excellence grant, he released an acousmatic EP in 2020 entitled nioses, broadcast on Radio Québec International. To conceive experiences of active contemplation, various elements are assembled to question our perception of space and time.

Nadir (2021 / 10:00)

Nadir , c’est le point de la sphère céleste représentatif de la direction verticale descendante. C’est la position du soleil à minuit. Par extension, cela signifie le pire moment, celui du moindre espoir et de la moindre réussite. Nadir, c’est l’étude du point le plus bas. Cette œuvre décrit une descente par strates, dépeignant une vision dystopique où le sentiment d’amélioration n’est qu’illusoire. Abstraits, les matériaux sont nés de processus aléatoires aux traitements lourds, organisés dans le temps comme le serait une implosion. La noirceur est alors mise en contraste avec des sonorités parfois pop, une sorte de version hallucinée d’un monde apathique. Sombre, plastique et absurde, il s’agit de dix minutes de bruits inutiles. Voilà ma vision du monde : vers le bas.

A nadir is the point on the celestial sphere representing the vertical downward direction. It is the position of the sun at midnight. By extension, it means the worst time, the time of least hope and success. Nadir is the study of the lowest point. This work describes a descent in layers, depicting a dystopian vision in which any sense of improvement is illusory. The materials are abstract, born of random processes with heavy treatments, organized in time like an implosion. The darkness is then contrasted with sometimes pop sounds, a kind of hallucinated version of an apathetic world. Dark, plastic and absurd, Nadir is ten minutes of useless noise. This is my vision of the world: downward.

Antoine Lussier

JTTP 2021 Third Prize winner [ex æquo].

Antoine Lussier in Montréal, 2021. Image © NAME 2021. [Click image to enlarge]

Antoine Lussier se passionne pour l’onde sonore depuis son plus jeune âge. Il enchaina durant plusieurs années des tournées internationales avec son groupe Ion Dissonance en tant que guitariste et compositeur, mais également au sein de formations pop, rock, hip hop, blues et tzigane. Actuellement ingénieur du son et producteur, allant de la réalisation à l’enseignement il sollicite cette aventure musicale en œuvrant dans la composition acousmatique, ainsi que dans les différents secteurs de la musique à l’image; c’est-à-dire la sonorisation de court métrage et la création musicale et sonore orientée pour le jeu vidéo. Bientôt diplômé du baccalauréat en musiques numériques de l’Université de Montréal, il compte prochainement commencer sa maîtrise en recherche-création dans ce même établissement. Son dévouement pour la recherche se dessine dans le but d’approfondir les fonctions d’un instrument qui lui a permis d’en arriver là aujourd’hui : le studio.

Antoine Lussier has been passionate about the sound wave from an early age. He toured internationally for several years, performing with his group Ion Dissonance as a guitarist and composer, but also as a member of pop, rock, hip hop, blues and gypsy groups. Lussier is currently a sound engineer and producer, with activities that range from directing to teaching, as he seeks to broaden this musical adventure through acousmatic composition. He is also active in various sectors of music and image creation, notably sound design for short films and music and sound creation oriented for video games. Once he graduates from his bachelor’s degree in digital music from the Université de Montréal, he intends to begin a master’s degree in research-creation at the same institution. The core of his research is dedicated to expanding the capabilities of the instrument that has brought him to this point today: the studio.

Disjonction (2021 / 10:30)

Lors de la composition de Disjonctions les différentes possibilités de manipulations temporelles permises par le montage ont été explorées. En utilisant la synthèse et la prise de son, des minuscules singularités ont engendrées de grandes constructions. De ces gestes lumineux et mouvements démesurés apparait alors l’obscurité. Une aura mécanique et électrique alimente l’œuvre d’un point de vue matériologique, traçant un parcours discursif d’une temporalité incertaine; route imaginaire d’une ligne de temps fragilisée par le désordre.

Different possibilities of temporal manipulations afforded by editing were explored during the composition of Disjonction . Using synthesis and sound recording, tiny singularities have spawned expansive constructions. Out of these luminous gestures and vast movements darkness appears. A mechanical and electrical aura feeds the piece from a material point of view, tracing a discursive course of incertain temporality; an imaginary path of a timeline weakened by disorder.

Véro Marengère

JTTP 2021 Fourth Prize winner and recipient of the inaugural Micheline Coulombe Saint-Marcoux Award for self-identified female or non-binary electroacoustic artists.

Montréal AV artist Véro Marengère in 2021. Image © Laurence Bissonnette, 2021.

Véro Marengère est une artiste audiovisuelle émergente basée à Montréal. Elle crée des œuvres qui évoquent le néo animisme, le storytelling, l’écosophie et l’intimité numérique. Inspirée par les objets de tous les jours, les communautés numériques, l’ASMR, l’électromagnétisme et la voix, son travail prend une posture toujours autant critique que ludique. Marengère est actuellement étudiante au 2ème cycle en musiques numériques à l’Université de Montréal. Elle étudie avec Myriam Boucher, avec qui elle articule un travail audiovisuel haptique et hydroféministe. Elle est auxiliaire d’enseignement en enregistrement stéréophonique et sonorisation et travaille dans le milieu de la littératie numérique et des technologies de l’information.

Véro Marengère is an emerging audiovisual artist and researcher based in Montréal. She creates artworks that evoke neo-animism, storytelling, ecosophy and digital intimacy. Inspired by everyday objects, technological communities, ASMR, electromagnetism and the human voice, her work takes a critical yet very playful approach to video- and music-making. Marengère is currently a graduate student in the digital music program at the Faculty of Music of the Université de Montréal, where she is studying with Myriam Boucher creating a hydrofeminist and haptic framework for video artwork. She is a teacher’s assistant for a Stereophonic Recording and Sound System course and also works in the field of digital literacy and information technology.

Roserade (2021 / 4:30)

Inspirée par le néomatérialisme, l’écosophie et l’intimité numérique, la vidéomusique Roserade évoque une relation entre un bureau, un rosier et une humaine. Parfois contemplative et parfois frénétique, Roserade propose un monde qui se déforme sans jamais se construire ni se détruire. Dans cette entropie influencée par les transformations écologiques et numériques, l’humain et le non-humain explorent le sentiment d’être interdépendants. Par sa constante mise en abyme, Roserade nous rappelle que nous vivons beaucoup plus dans un Internet des êtres que dans un Internet des objets.

Inspired by new materialism, ecosophy and digital intimacy, the videomusic work Roserade evokes a relationship between a desk, a rose bush and a female human. Sometimes frenetic and sometimes contemplative, it proposes a world that deforms without ever completely destroying or building itself. In this entropy the human and nonhuman explore the feeling of being interdependent, in a reality shaped by digital and ecological transformations. By this constant mise en abyme, we are reminded that we live much more in an Internet of beings than in an Internet of things.

Charles St-André

JTTP 2021 Second Prize winner and recipient of the inaugural Jean Piché Award for videomusic, new media and creative coding.

Charles St-André in 2021.

Charles St-André est nouvellement étudiant au baccalauréat en musiques numériques à l’Université de Montréal. Il dirige présentement son cheminement sur la relation du son et image ainsi qu’à l’exploration de nouveaux outils de composition sonore et d’image générative. Il s’intéresse également aux paysages sonores, point central de son travail en composition. Étant toujours au début de son cheminement, il souhaite continuer à découvrir différentes avenues comme la programmation, le mapping vidéo et les installations interactives alliant son et image.

Charles St-André is an undergraduate student in digital music at the Université de Montréal. He is currently interested in the relationship of sound and image, as well as the exploration of new generative image composition tools. He is also interested in soundscapes, which are often the focal points of his compositions. Still at the beginning of his journey, he wishes to continue to discover different avenues such as programming, video mapping and interactive installations combining sound and image.

Espace Clos (2021 / 4:54)

Espace clos est une œuvre audiovisuelle qui voyage entre différents espaces grâce à de l’image de synthèse. Ces lignes qui simulent les espaces sont restreintes par un certain cadre, mais tenteront de s’ouvrir afin d’aller au-delà de cette zone qui leur est dédiée, étant l’écran dans lequel vous regardez ceci. Cette pièce oscille entre des plans 2D et 3D afin de mieux percevoir la tentative de sortie de cettedite zone.

Espace clos is an audiovisual work that travels between different spaces using synthetic images. These lines that simulate the spaces are restricted by a certain frame but will try to open up in order to go beyond that area dedicated to them, being the screen upon which you are looking at this. This piece oscillates between 2D and 3D plans in order to better perceive the attempt to leave this area.

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